Dos entidades que estuvieron por separado en el FIAC del año pasado, Daniel Veronese y Teatro Línea de Sombra, se reúnen ahora en esta producción mexicana de una de las más célebres obras del dramaturgo argentino, dirigida por él mismo. Claustrofóbica e intensa, “Mujeres soñaron caballos” aborda el drama de una reunión familiar donde inesperadamente comienzan a derrumbarse las caretas y velos que ocultaban los secretos y miserias de los involucrados: tres hermanos y sus respectivas esposas. Estrenado en el pasado Festival de México en el Centro Histórico, el montaje de Veronese propone una descarnada y retadora cercanía con el espectador, que cree la sensación de que este es parte de la obra, “de una mentira que se confunda con la realidad”. Fundador de la afamada compañía Periférico de Objetos, Daniel Veronese es uno de los personajes más importantes de la escena teatral argentina e iberoamericana, a la que ha aportado una visión donde prima la intensidad interpretativa y una reflexión sobre algunas de sus obsesiones temáticas: la muerte, el dolor, la violencia, el poder sobre el otro.

Alras de ese giro en vuelo. Espectáculo Tanguero experimental de Darío Castro concebido por Armando Holzer .Partiendo del Tango y de la memoria se construye ante la vista del espectador una bitácora emocional armada por las migraciones y el intercambio entre dos creadores extranjeros residentes en la ciudad. En donde el tango se convierte en una forma de caminar y principalmente… En un modo de andar por la vida.

Ganadora de los premios SGAE de Teatro 2004 y Valle-Inclán 2008, dos de los más prestigiados de las artes escénicas de su país, Angélica Liddell en considerada tanto una “maldita” y una “enfant terrible”, como una de las "pioneras más comprometidas en la exploración de los terrenos más áridos del teatro".

Irritante y transgresora; Liddell es licenciada en Psicología y Arte Dramático y definitivamente no visualiza al teatro como un pretexto para que el público se evada y se la pase bien. El sexo, la muerte y la violencia, son elementos recurrentes en sus puestas en escena, viscerales, retadoras, descarnadas y recargadas de elementos simbólicos y contundentes.

Considerada a sí misma una “subterránea”, a pesar de su creciente celebridad, la Liddell ofrece en “La desobediencia: yo no soy bonita”, su particular visión sobre el papel de la mujer en una sociedad que considera “misógina y androcentrista”. Retomando una vivencia personal de abuso, la española sondea el origen cotidiano y cercano de la violencia sexual, en una escenificación de múltiples recursos e imágenes estremecedoras.

Admirado por Sigmund Freud y considerado en su tiempo uno de los escritores más importantes de su país, el austriaco Arthur Schnitzler (1862-1931) es creador de una influyente obra donde, además de ingenio y agudeza, predomina el sesgo natural del hombre hacia la carne.

Escrita en 1893, “Anatol” es la segunda obra teatral de Schnitzler, una comedia protagonizada por un casanova que idealiza al extremo a las mujeres objeto de su deseo, aunque cuenta con un amigo que se encarga de ayudarlo a poner los pies sobre la tierra y a visualizarlas como seres humanos. Como sucediera el año pasado con “La legión de los enanos”, esta es una producción especial del Festival Internacional Cervantino, el Instituto Cultura de León y el Forum Cultural Guanajuato diseñada para proyectar el trabajo de los artistas de la entidad. Martín Acosta, uno de los directores más destacados del país, nacido en Cortazar, Gto., ha creado montajes para Teatro de Arena (su compañía, fundada en 1989) y la Compañía Nacional de Teatro.

“La necesidad de comprender el porqué de la angustia por el amor. Nos preocupa el amor, lo padecemos, en todas las formas posibles, experimentamos la terrible angustia producida por la certidumbre de que no somos, ni los únicos, ni los últimos para nuestro objeto amado; esa idea es intolerable, nos hacemos preguntas constantemente, nos interesa lo que hace, siente, desea y piensa el ser amado y lo que es peor, nunca estamos conformes con las respuestas, hay una duda insaciable que nos asalta en cualquier tiempo, en cualquier lugar; intentamos apaciguar la duda con el sueño, con un cigarro. “Los amantes siempre intuyen la verdad, y sin embargo se empecinan en creerse todas las mentira”.

[…]Y así la angustia de nuestros amores sucede a través de las horas, los días, los años; por eso Anatol, él, no es el único hipocondríaco del amor.

Martín Acosta

¿En el teatro es más importante el público o el actor? Roger Bernat, una de las figuras más renombradas del arte escénico ibérico, afronta la cuestión de un modo inusitado: prescinde del actor como punto central y deja al público como único participante de una acción escénica con mucho de performance.
Un equilibrio entre lo planeado y lo impredecible se materializa en “Dominio Público”, una representación en la que los espectadores protagonizarán una suerte de coreografía urbana, al ir siguiendo las instrucciones que les llegan a través de unos audífonos inalámbricos, planteadas en forma de cuestionamientos por lo menos curiosos: “¿Estás orgulloso de los zapatos que llevas? Siéntate en un banco y levanta los pies”.
Roger Bernat, comenzó a estudiar arquitectura, pero cansado de ella, se cambió al Instituto de Teatro de Barcelona, por lo que a veces se describe como “un niño malo que hace teatro por casualidad”. Estrenó su primer espectáculo en 1997 y desde entonces ha conmocionado al público y crítica con propuestas poco convencionales y nutridas con un denso apartado crítico.