El trabajo de Daniel Aguilar (León, Guanajuato 1988) se basa en la utilización obsesiva del dibujo como una herramienta que le permite ventilar su lado más oscuro y adolescente, evidenciando con cada pieza su humor pacheco y socarrón, que parece salir directamente de las fauces de los ochenteros personajes de MTV Beavis and Butt-head.

Aguilar elabora discursos en donde sus referencias a la filosofía, la música, el arte, el graffiti, las frases populares y lapidarias, se convierten en un rudo muestrario de bromas pesadas y comentarios absurdos que provocan hilaridad entre quienes tenemos la oportunidad de ver su trabajo.

Daniel Aguilar ejecuta sus actividades de dibujante y editor al mismo tiempo publicando desde hace mas de dos años la revista punk-fanzine balbuceo.

Con fecha del día 26 de agosto del 2004 se solicita, por parte del Instituto Municipal de Planeación a las autoridades de Poliforum León y como parte del programa “Patrimonio”, en resguardo un antiguo tinaco de lámina de zinc perteneciente a la casa en demolición de los padres del Instituto Lux, a fin de que pueda elaborar su registro y la consolidación de deterioros que permitan recuperar esta pieza como un elemento descriptivo de su época.     
 
El programa “Patrimonio” forma parte a su vez del proyecto llamado “Objetos en Custodia”, que tiene como finalidad la exhibición de series de objetos de desuso resultado de las intervenciones a sitios habitados o deshabitados y de aquellos que actualmente han cambiado de uso. Estos objetos en su mayoría para uso doméstico (libros, folleto religioso, correspondencia, tarjeta postal, enseres de costura y bordado, artículos de belleza o adornos para la casa) se presentan en su oportunidad por conjuntos, con relación o sin ella entre ellos, mediante vitrinas y estanterías de diferentes tamaños. En donde el valor del objeto en desuso difícil de dimensionar por el carácter que le imprimió el usuario, se deja a la mesura del observador. 

El proyecto tiene su origen en la pre-ocupación e indagar el paso del tiempo transcurrido y las actuales y rápidas transformaciones que sucede en nuestro derredor y que somos testigos, además de que la observación de dichos materiales contribuiría, en el mejor de los casos, a la comprensión de los usos y costumbres de lo que fue nuestro pasado inmediato. 
Rubén Jasso.

Con la colaboración: Del IMPLAN

Marcela Armas, Kristina Braein, Marcin Berdyszak, Arcángel Constantini, Miguel Angel García Padilla, Peter Greenaway, Miho Hagino, Rubén Jasso, Kraepellin, Isidro Martínez, Lourdes Méndez, Rubén Méndez, Luis Enrique Muñoz, Daniel Navarro, Jorge Armando Ortega del Campo, Javier Ornelas, Iván Puig Doméne, Angélica Ramos, Antonio Tun Naal , Reynaldo Thompson, José Zendejas.

Curador:
Leonardo Ramírez
“Es soberano quien decide el estado de excepción”
Carl Schmitt

“El arte tiene la bonita costumbre
de echar a perder todas las teorías artísticas.”
Marcel Duchamp
(1887-1968)
Artista y ajedrecista Francés.

Objet trouvé. El término arte encontrado —más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé) o confeccionado— describe el arte creado a partir del uso no disfrazado, pero a menudo modificado, de objetos que normalmente no se consideran artículos, con frecuencia porque ya tienen una función mundana y utilitaria.

Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX. Readymade: “Un objeto ordinario elevado a la dignidad de obra de arte por la simple elección de un artista.”Diccionario abreviado del surrealismo de André Breton y Paul Éluard.1938
Con la colaboración de : Arena México Arte contemporáneo, Kunsthaus Santa fe, Festival Internacional Cervantino, Las muertas proyectos espaciales, FIAC 2009.

El trabajo artístico de Tom Früchtl, (1966 Munich, Alemania) es minucioso, casi invisible y contemplativo. El artista llama a sus piezas “objeto-lienzos” ya que utiliza al objeto para pintar sobre la misma estructura de este, su propia imagen; lo que con frecuencia ocasiona que el trabajo pase desapercibido.

Los Trompe-l’oeil en los que interviene pueden ser unas ordinarias cajas de cartón, los ladrillos de una casa, una caja de transporte o unas simples sombras de luz. Es pintor aunque no siempre necesita la tela para pintar y es músico aunque no siempre necesita un instrumento; en su caso la guitarra para tocar. Los dos vertientes están íntimamente ligadas y  cuando describe su pintura menciona palabras como la música rock y el volumen de los colores o incluye amplificadores o una bola de discoteca en algunas de sus piezas.

Con la generosa colaboración del Instituto Goethe, FIAC 2009

“Fotografío directamente de mi vida”

Cuando le regalaron su primera cámara a los 16 años, Nan Goldin se fotografió a sí misma, a sus amigos y su entorno más inmediato. Las fotografías que ha realizado desde finales de los años sesenta no son fruto de una observación imparcial sino de la vinculación emocional con las personas que describen. La cámara es su compañera inseparable y las fotografías su diario visual. Durante treinta años, sus fotografías han documentado la historia de su vida y la de sus amigos. Al mismo tiempo, no obstante, van mas allá del ámbito de la biografía personal para convertirse en la versión dada por un testigo ocular de determinados grupos y subculturas con los que la artista se ha relacionado. Aunque sus fotografías muestran a drogadictos, alcohólicos, homosexuales, travestidos y prostitutas, no son tanto una crónica como un homenaje cariñoso, con todos sus defectos, al caleidoscopio de la vida y la muerte.

En 1965, la hermana mayor de Goldin se suicido. La familia quedo destrozada y sus amigos de la escuela Satay Community School de Lincoln (Massachussets) se convirtieron en una especie de segunda familia. Empezó a hacer fotografías, como dice, para no perderles, para aferrarse a la vida y salvarse. Ya en estas primeras fotografías en blanco y

negro y polaroids desarrolló la estética de la instantánea, cuya intimidad e inmediatez se han convertido en una de las características distintivas de sus siguientes trabajos. A sus amigos les gustaba que ella les fotografiara. Estaban todos fascinados por el mundo de la moda y el cine, así que adoptaban poses y las trasladaban a sus entornos privados. Formaban parte de este grupo de amigos David Armstrong y Suzanne Fletcher, a quienes siguió fotografiando en las décadas posteriores.

A principios de los años sesenta, Goldin fotografió el concurso de belleza semanal que se celebraba en el bar de travestidos. The Other Side de Boston. Influenciada por las películas de Andy Warhol y Blow Up, de Antonioni, comenzó a producir películas en Súper 8. En 1973, empezó a trabajar con la fotografía en color utilizando iluminación artificial. Un año mas tarde, conoció a la fotógrafa Lisette Model e inicio sus estudios en la escuela del Museum of Fine Arts de Boston. Fue allí donde utilizo por primera vez un flash. Después lo emplearía incluso para las escasas fotografías exteriores, con lo que las escenas retratadas parecían frías y artificiales. Para el trabajo de final de carrera presentó un conjunto de diapositivas que utilizaba para reducidos pases privados.

Uta Grosenick
Mujeres Artistas de los siglos XX y XXI
Editorial Taschen 2005
p.p. 111

Con la generosa colaboración de: Matthew Marks Gallery New York, Fundación televisa, Colección Coppel, Colección Charpenel, Kunsthaus Santa Fe, David Ramírez Chávez, FIAC 2009.

La obra de Silvia Prada (Ponferrada, España 1969) encierra un cúmulo de referentes y reflexiones acerca de los mitos icónicos de la actualidad y la cultura popular en las sociedades globalizadas y capitalistas. Ofrece un mundo basado en el bombardeo mediático y sobre todo, en los video clips de la MTV, revistas de tendencias y otros tantos subgéneros de al cultura juvenil. Sus ilustraciones, realizadas con grafito, muestran una galería de personajes sacados del mundo de la televisión, la pornografía o el cómic desde Kylie Minogue, Britney Spears o Jennifer López pasando por el espectacular fotógrafo Terry Richardson.

La artista se mueve entre los límites de la ilustración y el dibujo realizado in-situ, construyendo relaciones entre la alta cultura y la cultura popular “sampleando” las imágenes de los íconos mass mediáticos que aparecen en las revistas de cotilleos con la transcripción de su impecable dibujo a un espacio de exhibición. Su trabajo en este sentido se vuelve una pieza de “comedia del arte” donde hay una serie de personajes a los que conocemos perfectamente y a los que “distribuye” en la galería como en una representación.
“Pues es toda la cultura que traigo detrás de mi, todo lo que mamé, tanto estudiando como de viaje, porque en todos esos años trabajando para Zara y para Mango, -no me

importaban para nada esas compañías - así que me dedicaba a ver cosas y a viajar, que es muy importante para aclararte. En otros países tus padres te pagan esos “dos años sabáticos” para pensar lo que quieres y aquí nos lo pagamos nosotros (risas).
Entonces las influencias sobretodo son todas esas revistas internacionales que han sido la Biblia de la moda, de la música y en general de la cultura pop, como son The Face o el Interview americano de Andy Warhol que sacó junto a la MTV, al que estaba suscrita desde los 17 o 18 años. Es decir, son cosas que a mi me han marcado. También toda la cultura musical, la cultura pop, … si me preguntas artistas más bien pocos, en realidad los que estaban implicados en una cultura pop, puede ser Andy Warhol, por supuesto.”
En colaboración con FIAC 2009

Rachel Reupke, Phillipe Decouflé, Markus Kreiss, Jean – Pierre Khazem, Cornelis Gollhardt, Huges Reip, Alain – Paul Mallard, Marcus Tomlinson, Michelle Mallard, Laurent Chambert, Jonas Mekas, Javier Figueroa y Nicolas Couturied

Curador: Michelle Mallart

En video games, el video arte toma una forma juguetona. Una docena de artistas con diferentes formaciones profesionales, video, fotografía, artes plásticas, cine coreografía, fueron invitados a “jugar con video”, como un grupo de amigos que se reúnen a jugar cartas. El boton “aleatorio (SUFFLE)” sirve para reproducir los videos en un orden azaroso como si se estuvieran barajando cartas.

Como en cualquier juego, las reglas son parte de la premisa. Las reglas de este juego pueden no resultar tan simples; (1) una secuencia para mover imágenes. (2) donde el contenido no narrativo apela más a los sentidos que a la razón y (3) en donde no hay audio de por medio.

Esos juegos son una video-forma de exhibir arte mas allá de los confines del museo para encontrar sus rutas entre los espacios públicos y los privados. El proyecto video games propone una alternativa para la circulación de imágenes convertidas por el medio(el video).

Con un libre flujo que nos captura y entretiene, sin irritarnos y manteniéndonos atentos en todo momento.

En colaboración con: El Museo de Arte Moderno Gran Duque Luxemburgo